ANIME: Demonbane (2006)

Basada en el correspondiente juego para Playstation 2 (versión moderada del original para PC, con contenido erótico) Kishin Houkou Demonbane (機神咆吼デモンベイン) es una serie de anime que combina elementos (o tópicos, si se quiere) repetidos hasta la saciedad en el género con temas del universo de Lovecraft. Lo cual lo hace, en cierto modo, un homenaje (o parodia) de este.

Y es que los elementos clásicos de esta obra maestra del Terror están presentes: la magia, la ciudad de Arkham, la Universidad Miskatonic, etc. pero esta producción dirigida por Shoichi Masuo agrega a la mezcla al fetiche de los Robots gigantes y una miriada de personajes femeninos (recuérdese que en la obra original la presencia de estrógenos era más bien escasa) totalmente apropiada para el ya consabido Fan Service.

El personaje principal de la historia es el detective de poca monta Kurou Daijūji (voz: Kentarō Itō, aparentemente, la traducción al japonés de Titus Crow protagonista de las novela de Brian Lumley ambientadas en ese mismo universo) quien se interna en la trama de intrigas y pugnas por el poder en la ciudad (entre una sociedad secreta llamada Black Lodge y el Grupo Financiero Hadou, dirigido por la última heredera de la familia, Ruri Hadou (voz: Junko Asami) una seria y responsable líder, quien se opone a los avances de la Logia impulsando varias iniciativas, una de las cuales involucrará a Kurou y a su vez, hará aparecer a Al-Azif (voz: Rie Kanda) quien es nada menos que la encarnación del más Poderoso Grimorio, el Necronomicón.

La asociación (que convierte a Kuro en un ser mágico o Magius) de ambos les permite invocar al gigantesco mecha Demonbane con los cuales se enfrentará los miembros de Black Lodge, liderados por un misterioso individuo llamado Master Therion (bestia en griego) y que es poseedor de otro grimorio, los Manuscritos Pnakotic, al igual que los más conspicuos miembros del Black Lodge, un grupo conocido como Anticross, todos ellos poseedores de grimorios y capaces de invocar sus particulares Deus Machina (léase Robot gigante de turno)

Y sin embargo, hay una tercera parte al acecho, una misteriosa dama llamada Nya con una agenda ciertamente misteriosa, cuyas motivaciones de develarán a lo largo del avance de la trama.

Las cuotas de humor también están cubiertas, a través del tan siniestro como estrafalario y Desafotrunado Dr. West y su creación, la Androide Elsa que se la pasan tratando de poner a Kuro en apuros.

En resumen, 12 episodios de animación de muy buena calidad, en particular, muy bien logrado el diseño mecánico a cargo de Yoshihiko Machida y Kazutaka Miyatake tanto para los Deus como para el Protagonista Demonbane, muy recomendable para los adeptos del terror y el ritmo trepidante.

Y finalmente, el opening de la serie, un ágil tema titulado Hito, Kami, Hata (Hombre, Dios, máquina) interpretado por Yuichi Ikuzawa.

Anime H. P. Lovecraft Cthulhu terror
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ANIME - CLANNAD ~After Story~

Secuela -segunda temporada, si se quiere- de la Serie basada en el juego para PC y PS/2 de Key y Visual Art's CLANNAD ~After Story~ es la continuación del arco de historia correspondiente al escenario de Nagisa Furukawa, una de las heroínas del juego original.

Pautada, como su antecesora, para 24 capítulos (incluyendo un especial que pasa más bien por ser el capítulo cero de toda la historia) y con un capítulo extra a ser incluido en la edición en vídeo y animada al igual que su antecesora por Kyoto Animation, After Story mantiene cuatro cosas importantes de su precuela: el bien estructurado manejo narrativo, el diseño de personajes,la musicalización con tintes irlandeses y el dramatismo sobrio, que, en esta serie alcanza nuevas cotas.

También se mantiene la división de la trama en arcos de historia relacionados al desarrollo de un personaje y su relación con un problema o tema central que es el quid de las vicisitudes de los personajes y cuya revelación se hace a cuentagotas (lo que es caracteristico) quedando sólo perfectamente claro en el último momento posible, cuando todas las piezas finalmente encajan. En esta ocasión y teniendo como marco la relación entre Nagisa y Tomoya Okazaki, asistimos al desarrollo de personajes no considerados en la trama principal, comenzando por el impresentable Youhei Sunohara (voz: Daisuke Sakaguchi)y su particular tendencia al abandono, la cual tratará de ser remediada por su hermanita Mei (voz:Yukari Tamura) sin resultados significativos.


Desupés, se presentan los respectivos arcos correspondientes a Misae Sagara (voz: Satsuki Yukino) en sus años de escolar y una particular anécdota de este período y de Yukine Miyazawa (voz: Atsuko Enomoto) quien se encuentra, voluntariamente, involucrada en una feroz guerra de pandillas que involucra incluso a su familia.

Trás estos prolegómenos entramos al arco final de la historia, que es el del propio drama de Nagisa y Tomoya, comenzando una vida juntos, apoyados por los padres de ella: el realista Akio (voz: Ryotaro Okiayu)y la dulce Sanae (Voz: Kikuko Inoue) y enfrentando el drama cotidiano del trabajo, el hogar y la misteriosa condición médica de Nagisa que devendrá en complicaciones, arrastrando a Tomoya, a ella misma y a la hija de ambos Ushio en una espiral descendente que irónicamente, los llevará tanto a la desgracia como a la redención.

Cobran también especial importancia en esta serie las apariciones del "mundo ilusorio" realidad alternativa donde una joven es la única persona viva, siendo acompañada por un robot, teniendo ambos más que ver en la trama de lo que podría parecer a quien haya visto la primera temporada.



Los elementos del guión, otra vez escrito por Fumihiko Shimo están bien engarzados y a pesar de la morosidad de algunas partes de la trama, se deja ver. Es también interesante como se logra encajar el quest de esta parte del juego (obtener ciertos objetos que permitirán revelar la "verdad") dentro de una especie de leyenda urbana , así como también en los personajes, en particular Tomoya se presentan manifiestamente una serie de Dicotomías: Evasión - Confrontación, Resentimiento - Reconciliación, Cambio - Conservación, Urbano (como artificial) - natural, que van ayudando a hacernos participes de las ansias, temores y limitaciones de los personajes, aunque quizás el más importante ingrediente de la trama no se explicita sino ligeramente: en el episodio 18, cuando Tomoya se encuentra con su pasado se habla de una palabra clave, pero no se la menciona, esta palabra es empatía.

Y es que, como su nombre lo indica, CLANNAD es una historia que habla acerca de la familia, no de la que es nuestra sangre, sino la que puede ser nuestra sangre y la única forma de establecer lazos reales con otros es mediante la empatía, el comprender sinceramente al otro es lo que al final nos reivindica como seres humanos, capaces de desplegar tanto pensamientos como emociones y sentimientos y quizás sea esta la razón por la cual producciones como esta se vuelven tan entrañables para los espectadores.

Válida para los amantes del Drama, el misterio y para todos aquellos a los que nos gustan las historias bien contadas. Muy recomendable.

Como colofón a la nota los dejo con los temas de apertura y cierre de esta producción,Toki o Kizamu Uta (時を刻む唄- Una canción para pasar el tiempo) y Torch (antorcha) ambos interpretados por Lia, quien también canta el tema de apertura de otra producción basada en un juego de Visual Art's, la ya reseñada AiR

anime, clannad, drama, fantasía
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ANIME: CLANNAD

Producida por Kyoto Animation (de quien recordamos, entre otras, la desternillante serie La Melancolía de Haruhi Suzumiya) y basada en el juego para PC y PS/2 de Key y Visual Art's, CLANNAD es una serie de anime de 24 capítulos, 23 emitidos y un especial emitido como OVA, con una película ya estrenada y de la cual se esperan una OVA adicional, un spin-off basado en uno de los personajes, así como una secuela de la que hablaremos posteriormente.

Siendo el juego un Dating-sim, es decir, una historia donde un chico cualquiera tiene que encontrar a la chica que quiere de entre un ramillete de hermosas y muy particulares señoritas, el juego recrea en parte esa dinámica, pasando a través de los escenarios de cada una de ellas aunque sin la consabida escena de "confesión"

Y aquí se acaban los convencionalismos, ya que el verdadero atractivo, si cabe está en la construcción de sus personajes. tenemos en Primer lugar al inefable protagonista, Tomoya Okazaki (voz: Yuichi Nakamura), que, a sus 16, es esencialmente considerado alguien sin futuro (un delincuente, esto es, y no es que a él le interese especialmente nada, ya que estamos) quien, en una de sus parsimoniosas idas al colegio se cruza con una chica llamada Nagisa Furukawa (voz: Mai Nakahara), un año mayor que él y que también está en el último año, de hecho, debería estar graduada de no ser porque una enfermedad le impidió asistir y culminar los cursos.

En la escuela, Tomoya, sin más que hacer, se dedicará a asistir a la vacilante Nagisa en sus esfuerzos por restaurar el Club de teatro de la escuela y como esos esfuerzos se verán recompensados no sólo por el logro intríniseco, sino por los lazos que en el proceso se establecen con otros personajes.

Primero Tenemos al amigo-bueno-para-nada de Tomoya, Youhei Sunohara (voz: Daisuke Sakaguchi), quien es su compinche y seguidor de mil batallas, al punto que Tomoya practicamente "vive" en el cuarto de residencia estudiantil de Sunohara, esto debido a la malísima relación que tiene con su padre, quien, tras enviudar, se dedicó al alcohol y al juego, y en una pelea con su hijo, le lesionó el hombro de modo que Tomoya se vio forzado a dejar el club de Basketball, donde prometía. Sunohara también se vio forzado a dejar el club de futbol por una pelea con un superior y anda con Okazaki vergeleando y buscando problemas por donde los encuentre, en su caso, es especialmente alarmante su tendencia a buscar peleas de las que nunca sale bien parado y desatinar constante y cotidianamente.



El segundo personaje a mencionar es la segunda "heroína" de la historia Kyou Fujibayasi (Voz: Ryō Hirohashi) , miembro del equipo de Voleyball de la escuela, es una algo atolondrada y energética chica reconocida por su buena sazón y que se pasa buena parte de la serie tratando de emparejar a Tomoya con su hermana Ryou, delegada de la clase de este y adicta a las lecturas de fortuna, aunque sus propios intereses respecto del susodicho no son del todo claros.

La tercera heroína de la historia es Kotomi Ichinose (voz: Mamiko Noto), hija de una pareja de brillantes científicos que perecieron en un accidente de aviación, Kotomi no ha podido dejar de sentirse culpable de sus muertes de algún modo, pese a lo cual es una niña genio cuyas notas está entre las diez mejores del país en cada materia y que en realidad, pasa más tiempo leyendo en la biblioteca libros de temas avanzados. La vinculación de Kotomi con Tomoya viene de la Infancia y de algunos recuerdos agridulces que compartió con él.

La siguiente heroína de la historia es Tomoyo Sakagami (voz: Houko Kuwashima), personaje tan popular que fue protagónista de su propio juego, una extensión del escenario de su personaje llamado Tomoyo After: It's a Wonderful Life, y que al parecer será llevado a la animación. Tomoyo es una estudiante de penúltimo año de traslado reciente y que viene precedida de fama de violenta y pandillera, la cual confirma al darle su merecido a unos tipos de su anterior escuela, su habilidad la hace blanco de los clubes de artes marciales, asedio del cual es rescatada por Okazaki, quien luego la ayudará a ser elegida presidenta del consejo estudiantil, borrando su mala fama.

La heroína final de la historia es Fuko Ibuki (voz: Ai Nonaka) una chica de primer año que tiene una obsesión notable por las estrellas de mar, las cuales talla en todo momento, así como por la boda de su hermana (una ex-profesora de la escuela) la cual trata de promover, aunque Fuko esconde más de un secreto.

El resto de los personajes se completa con la hermana de Sunohara, Mei, quien hace una breve aparición, la Familia de Nagisa, sus padres Sanae (Voz: Kikuko Inoue) y Akio (voz: Mai Nakahara) así como Misae Sagara, encargada del dormitorio estudiantil y Yukine Miyazawa, otra heroína del juego que en la animación hace un papel menor, entre otros.

El guión, desarrollado por Fumihiko Shimo (el mismo de AiR y Kanon, otras versiones animadas de juegos de Key) consigue bien balancear los escenarios (o arcos de historia) de las heroínas del juego, enhebrandolos dentro de un todo coherente y del que, sin embargo, emerge una sola conclusión, necesaria para darle base a una secuela. Un singular detalle es el cuidado puesto en la construcción de personajes y en su humanidad, todos ellos guardan heridas, traumas, resentimientos profundos, ya sean estos reales o inventados, las heridas recibidas condicionan y forman la manera en la que los personajes perciben (en especial Tomoya) y de como emerge, de la nada, la red que nos permite vivir, a la que algunos llaman familia o clan (en el sentido extenso, mensaje bastante claro dado que CLANNAD significa familia en irlandés) en especial en la conexión con un mundo ilusiorio con el que tanto Nagisa como Tomoya sueñan, en el que una niña (la última de la tierra) pasa los días junto con un muñeco animado en un mundo que llega a su fin y que parece una tragedia inminente. Aquí la historia toma prestados elementos tanto de fantasía como de ciencia ficción (así como las alusiones a los universos alternos en el caso de los padres de Kotomi o las misteriosas apariciones de Fuko) que no alteran su sentido de profundo y al mismo tiempo sobrio drama.

el diseño de personajes de Kazumi Ikeda, basado en los originales del juego de Itaru Hinoue es bastante adecuado y fresco, siendo explotado al máximo en la animación en que las expresiones de los personajes son fundamentales. la ambientación es también bastante buena, aunque no comparable con la de AiR, por ejemplo, dado que la mayor parte de escenarios son urbanos.

Para terminar, queda poco más que recomendar a quienes aun no la hayan visto esta serie, no olvidarán sus personajes ni sus pequeños -o sus grandes- dramas en los que algunos de nosotros nos veamos quizás reflejados. Como cierre los dejo con el video del opening del anime, un remix del original del juego, Mag-Mell a cargo del grupo japonés Eufonius:

Enlaces Relacionados:

• Sitio Web Oficial de CLANNAD (japonés)
• CLANNAD en Wikipedia (Inglés)
• CLANNAD en Wikipedia (Español)

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CINE/ANIME - El Castillo Andante de Howl (2005)

¡Hasta que al fin la vi!, bueno, aca va el primer comentario audiovisual del año

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Hayao Miyazaki (Tokyo,1941) y Studio Ghibli son Iconos fundamentales de la animación japonesa, brindándonos obras de arte plenas de significado, contenido y novedad, en la que podemos encontrar elementos fantasticos que, organizados en historias dramáticas -aunque no por ello desprovistas de esperanza-nos brindan mensajes muy humanos y que siempre tienen que ver con lo ecológico y con la proverbial virtud de la inocencia.

El castillo andante de Howl (Howl no Ugoku Shiro, 2004), esta vez basado en una historia de la escritora Inglesa Diana Wynne Jones es la nueva incursión de Miyzaki en la pantalla grande desde la extraordinaria El Secuestro Divino de Sen y Chihiro (Sen to Chihiro no Kamikakushi, 2002) en la cual nos da otra muestra de su talento, apreciado no sólo por los aficionados al anime.

La historia, como es común en los filmes de Miyazaki, se inicia con una joven heroina que se encuentra con lo inesperado en el momento menos pensado, la joven Sophie Hatter (de hat, sombrero) vive una vida ordinaria como confeccionista de sombreros, negocio que heredó de su padre, mientras su madre trabaja en una tienda de chocolates. Alrededor de ella, su nación se prepara para la guerra, la cual no pasa de ser una noticia lejana a pesar de su encarnizamiento.

Una tarde se encuentra, sin saberlo con Howl, quien está escapando de misteriosos seres mágicos, siendo este es el inicio de sus desventuras que la llevan a ser hechizada por la bruja del desierto, convirtiéndose en una vieja de 90 años y sentir el peso de la edad, lo que la hace escapar de su vida anterior, tomando a su cargo la limpieza del Castillo -literalmente- Andante de Howl; que, como suele pasar en los castillos mágicos- está poblado por su propio grupo de personajes auxiliares: Calcifer, un demonio sometido por Howl, que es la fuerza motriz del castillo, Markl, asistente de Howl, un misterioso espantapájaros y el mismo Howl, quien se ausenta deliberadamente del castillo por largas jornadas.

Aquí Miyazaki nos introduce a las complejidades de la vida, bajo la premisa básica que la llegada de lo inesperado produce en las vidas de las personas, Sophie lleva a cuestas la carga de la vida de una vieja, pero además la carga de no querer ser lo que es, cambiando su apariencia de acuerdo a su particular estado anímico, lo que se delata con una frase lapidaria: "a fin de cuentas, los viejos tenemos poco que perder." Y es que, Miyazaki, quien se confiesa pesimista, es un experto en jugar con los contrastes y las sombras de gris que hay en la psicología humana. Lo cual se hace notorio en la transformación que sufre Sophie, de una vida estable y sin sobresaltos -y por ende aburrida- a una aventura constante, en la cual no sólo depende de ella misma, sino también vela por otros (resulta entre irónico y encomiable como toma a su cargo a la bruja del desierto, quien la hechizó cuando esta cae en desgracia, máxime trás la confesión de esta de haberlo hecho para robarle su juventud.)

Además, es importante considerar la relación que se establece entre Sophie y Howl, quien carga con el peso de sus propios inenarrables secretos, pero encuentra en Sophie un apoyo a partir del cual orientar su vida, Sophie se vuelve su (parafraseando a Jim Peterik) último lugar seguro, con lo cual el mismo Howl, quien no es capaz de perdonarse por ser como es, encuentra una razón para seguir adelante (es típico en la cosmovisión japonesa esa idea, que se resume en aforismos como el descanso del guerrero o la funda de la espada, esto es, que el destino de uno se completa cuando encuentra a alguien a quien servir, proteger y con quien compartir)Miyazaki nos pone el mensaje claro: Sólo el amar (notése, el amar, no el amor) nos vuelve seres enteros.


En el apartado gráfico, la obra es Soberbia, la animación computarizada de los movimientos del castillo de Howl contrastan con el enorme cuidado en la ambientación de las ciudades -con un cierto tono entre bárroco y modernista- y las máquinas de guerra, que parecen sacadas de obras de Julio Verne y con un manejo muy vívido de la luz y el color, inundando la pantalla con colores vivos e intensos contrastes (en especial en las escenas de guerra) y con imágenes que fluyen en un ritmo trepidante. A lo cual se suma el notable -como siempre- trabajo de Jo Hisaishi en la musicalización.

En resumen, una obra notable y digna de toda atención, por su magnífico grfismo así como por su historia cautivante que nos habla de la soledad y el amor, la esperanza, y el deseo de vivir, la búsqueda de la paz y la afirmación del individuo y sobre todo de la búsqueda de uno mismo y de como podremos crecer, simplemente por dejarnos llevar por las alas del asombro, más allá de lo simple, consabido y cotidiano.

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Otros Recursos:

• Web oficial de la película (japonés)
• Web oficial (Inglés)
• Entrevista a Hayao Miyazaki
• Hayao Miyazaki en Wikipedia

Technorati tags: cine, Anime, Hayao Miyazaki, Jo Hisaishi, Diana Wynne Jones

ANIME-Air

Producida por Pony Canyon, Visual Art's, Key y TBS y basada en el juego de video (originalmente hentai, de corte erótico) de Key, AIR es una serie de 13 capítulos con un spin-off en formato de video (OVA) llamado Air in summer de un profundo corte dramático y de misterio.

La historia se inicia cuando un viajero, llamado Yukito Kunisaki, llega a un pueblo costero al inicio del verano, continuando con una búsqueda que inició su madre de una chica alada.

Pretendiendo hacer algo de dinero con un truco que aprendió de su madre (un muñeco que anda y da vueltas sin cables de ningún tipo) y trás intentarlo sin éxito se deja caer, derrotado en un muro periferico a la playa, donde dos niños juegan.

Luego, una chica aparece, lo mueve, preguntándose si estará muerto, pero no, aún no es tiempo. esta chica (llamada Misuzu Kamio) lo lleva a su casa, nombrándolo su "amigo" y entra en el mundo de esta peculiar chica, que afirma soñar con una persona Alada.

Este es el inicio de una historia en la que el misterio, el drama y la emoción se entremezclan, en un viaje de descubrimiento, en el que, además de la pérdida de la inocencia, atestiguamos en los personajes tanto el crecimiento como los vínculos que los atan a sus miedos o, en todo caso, a la enorme carga kármica que no pueden superar del todo.

AIR se centra en el desarrollo de los personajes de este pequeños pueblo y con los que Yukito se irá topando a lo largo de los capítulos.

De Izquierda a Derecha: Haruka, Misuzu, Michiru, Minagi, Kano y Hijiri

Tenemos a Haruka Kamio, madre adoptiva de Misuzu, que aceptó aislarse de su familia para cuidarla y que no puede permitirse quererla, en contra de sus deseos (este factor es decisivo para la última parte de la trama). Las hermanas Kirishima: Kano (que siempre anda con una badana atada a la muñeca para evitar caer presa de un hechizo maligno -cosa que de hecho ocurre- y Hijiri, su hermana mayor, doctora del pueblo, que asumió esa profesión para cuidar de Kano.

También tenemos a Minagi Tohno, una chica tan guapa como elegante y reservada, encaja en el estereotipo de la mild-mannered girl tan común en el anime, y que, sin embargo, esconde su propia carga de resentimientos y misterios respecto a una hermana que, aparentemente no conoce y a una amiga (llamada Michiru) bastante misteriosa.

Cada capítulo se enfoca, tal como dice su título, en un aspecto del pueblo, los alrededores o los personajes, dando pie a una historia que, además de ser contada a cuentagotas, se las ingenia para mantenerte viéndola cada capítulo.

El tema central de la trama es la búsqueda de Yukito y la relación que, a través de esa búsqueda, entabla con Misuzu. Los sueños de Misuzu siempre la llevan a un frio y doloroso cielo, donde una mujer alada vaga, padeciéndo un enorme dolor. Y en la cual Yukito descubrirá el lazo que los ata al pasado y la maldición que, arrastrada por el ciclo del karma desde la muerte de la última de los alados (en japonés Kannabi no Mikoto) busca una salida, o una manera de hallar la reconciliación con el mundo-o con el amor- para seguir viviendo. Esto es especialmente notable en el caso de Misuzu, es incapaz de hacer amistad con nadie, puesto que, al hacerlo, entra en crisis histérica y rompe a llorar desconsoladamente. Lo que no queda del todo claro es la relación de los demás personajes con el drama de Misuzu (especificamente, Kano y Minagi, en la serie aparecen como vehículos para dar pistas, aunque cada una tiene una oportunidad de encarar su propio drama).

El guión, escrito en su totalidad por Fumihiko Shimo es de una profundidad emotiva estremecedora, con una administración del ritmo narrativo bastante bien lograda, la trama nunca parece detenerse, por lenta que vaya, y en los episodios de regreso al pasado, la acción cambia completamente, pero nunca sin perderle el paso a la historia. De hecho, este modo de concebir y crear una historia a partir de discursos entremezclados y con una carga emocional tan fuerte me recordó muy claramente a la novela El curso del Corazón de Michael John Harrison, que reseñaré proximamente.

También son de destacar el diseño de escenarios, en la cual destacan sobre todo los ambientes crepúsculares, extremadamente bien logrados y que son semejantes en calidad a los logrados por Makoto Shinkai en Kumo no mukou, Yakusoku no Basho y tanto los ambientes veraniegos (de gran luminosidad) como las espesuras de los bosques en los episodios de viaje al pasado pasan por un diseño bastante adecuado.

Otro punto a Destacar es el trabajo de los actores de voz, Tomoko Kawakami (Utena en Shôjo Kakumei Utena,etc.) encarna a Misuzu y Aya Hisakawa (Kerberos en Card Captor Sakura, etc.) y entre otros miembros del cast, tenemos a la destacada Kikuko Inoue (famosa por su rol como Belldandy en Ah! Megamisama) como Uraha, antepasada de Yukito.

En resumen, una serie de una muy buena calidad y que encantará a las personas amantes del misterio, las buenas historias y los dramas bien hechos.

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Enlaces

• AIR en Wikipedia
• Sitio Oficial (japonés)
• Nota sobre AIR en Anime News Network

Technorati tags: AiR, anime, fantasía

ANIME- Haibane Renmei

Con Animación producida por el Estudio RADIX Haibane Renmei (la Federación de las Alas Ceniza) es una serie de animación de 13 capítulos cuya inspiración procede de una idea original de Yoshitoshi Abe (Serial Experiments Lain, Niea under 7, se encarga del guión)y que cuenta con la dirección de Tomokazu Tokoro (Chikyuu Shôjo Arjuna, Niea under 7) y el diseño de personajes de Akira Takada.(Niea under 7) es un giro de temática por parte del autor, ya que esta producción es de fantasía y caracterizada por una consistencia dramática, a diferencia de la Psicológica y Cyberpunk Lain o la desternillante Niea.

La historia está ambientada en un universo bucólico y a la vez misterioso, donde además de los humanos, existen los llamados "Alas Ceniza" (Haibane) que no nacen, sino aparecen en un capullo, del cual emergen con una forma dada.

La protagonista de la serie, una adolescente llamada Rakka, aparece en una villa llamada Old Home, un sitio de reunión de los alas ceniza.

Es una tradición entre estos recibir su nombre (ya que nacen sin nombre y sin recuerdos de lo que probablemente sea su vida anterior.) del sueño que tienen antes de emerger del capullo, por ello es que Rakka recibe ese nombre, ya que estaba cayendo en su sueño, al poco tiempo le salen alas, lo que le produce un gran dolor, y para completar su adecuación, le es puesto un halo eléctrico, que siempre le causa problemas con el cabello.

De immediato es presentada con los demás habitantes de la casa, Reki, la mayor y líder del grupo quien ejerce en mayor medida el papel de "madre". Nemu, la más madura y que trabaja como ayudante en la biblioteca, Hikari, quien se hace cargo de algunos quehaceres de la casa, Kuu, que parece ser un niño pero es una niña y siempre se esfuerza por ser un buen ejemplo para los más pequeños, junto a ellos conviven Kana que trabaja en la tienda de relojes y muchos otros más.

Pronto, es intoducida en la vida cotidiana de los haibane, que deben buscar un trabajo en el pueblo cercano (Gile), y que no están autorizados a portar dinero. Rakka, tras trabajar ayudando a Nemu en la biblioteca, encuentra una ocupación en los túneles que están bajo los muros del pueblo, y de los que nadie, excepto los misteriosos Touga pueden salir.

Los haibane aparentemente están en ese mundo por una razón relacionada por la expiación del pecado, o la ruptura del ciclo kármico, ya que las alas, tras cierto tiempo, se ennegrecen y el haibane debe descubrir en si mismo la causa de su vinculación al pecado. Pero esta búsqueda no es eterna, si después de un determinado tiempo no consiguen emprender el día del vuelo, son separados del resto y viven el resto de sus días aislados y sin perdón, es decir, la salvación es un acto estrictamente individual.

Para ayudar a los haibane a cumplir con su misión, que es completada cuando parten en el Día del vuelo hacia lugares desconocidos, existe un pueblo llamado los Touga, de los cuales uno es llamado portavoz y es el único que puede tratar con los Haibane, por alguna extraña razón, nunca muestran sus rostros.

La lección final -si la hay- es que el perdón siempre se inicia con la reconciliación, pero con uno mismo, es en la búsqueda interior donde uno encuentra la resolución para ser capaz de aprender de sus errores y salir adelante, entonces uno encuentra el día del vuelo cuando es capaz de vencer a su propio miedo.

En suma, una producción que combina Fantasía, misterio y dramatismo en un escenario exótico y con personajes y un guión muy convincente, muy recomendable.

Links

• Sitio Oficial(Inglés)
• Sitio Oficial (japonés)
• Within the wall, fansite sobre haibane

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ANIME- Final Fantasy VII- Advent Children

Final Fantasy VII: Advent Children

Final Fantasy es uno de los grandes referentes para tres temas en el mundo del entretenimieno: Juegos de Consola, RPG y Animación.

Sacado a la venta en Japón hace poco (14/9/2005) es la secuela de la primera Exploración en el mundo mediático de esta saga, la película Final Fantasy: The Spirits Within (2001) con una trama que no tenía bastante que ver con FF IX, de un evidente mensaje pro-ecológico.

Este regreso a la animación de la mano de los directores Tetsuya Nomura y Takeshi Nozue, producida por Yoshinori Kitase y con toda la fuerza de SQUARE ENIX detrás es una especie de reencuentro en la animación con los Fans del juego, confieso no haber jugado nunca ninguno de los juegos de la Saga, aunque ciertos temás y personajes me eran familiares.

La trama se desprende de la del juego, en la cual una compañía llamada Shinra extrae la energía vital de la Tierra (aparentemente existe un flujo de energía vital en todos los mundos vivientes el cual se puede aprovechar como fuente energética y de conocimientos, ya que se obtiene lo que se almacena de conocimientos antiguos, a destacar la relación que esto tiene con las creencia geománticas orientales, cuya forma más conocida por estos lares es el Feng Shui) que, por esta razón, comienza a morir lentamente. La cosa empeora cuando Sephiroth, un soldado creado a partir de la materia de una máquina de destrucción extraterrestre (Jenova) emprende una campaña para apoderarse del control del flujo de la vida ¿La razón? invertirlo y matar a todos los seres vivientes. Es al final, el mismo flujo de la Vida quien se encarga de Sephiroth,

Esta gran, de la cual trata el juego, cobra las vidas de Aerith Gainsbourough y Zack, dos miembros del equipo original, lo que ha sumido a su amigo Cloud Strife en una profunda depresión y deseperanza, lo que lo lleva a un profundo aislamiento de todos los demás, incluyendo a Tifa y Marlene, hermana de Aerith.

La aparición de tres ex-soldados, que se hacen llamar los hombres de cabello plateado, buscando a su "madre" resulta ser el inicio de una nueva aventura para Cloud y cia. Todo esto teniéndo que ver con el retorno de Sephiroth y la búsqueda por parte de la humanidad por liberarse de los Geostigma, marcas hechas por el flujo de la tierra trás el desastre de la Corporación Shinra.

Estamos frente a una producción a la que es díficil catalogar dentro de los géneros de Fantasía o Ciencia Ficción, ya que si bien los elementos de la trama son de un RPG, la presentación de estos es bastante futurista, el diseño de escenarios nos recuerda a ciudades post-apocalípticas como las de las películas de Mad Max o el Juez Dredd, en las cuales la desesperanza es el habitante por excelencia.

Una vez que los planes de los hombres de Cabello plateado se revelan, usando a los niños marcados por el estigma para regresar a Sephiroth a la vida, es cuando Tifa y los amigos de Cloud deciden intervenir, apareciendo el mismo Cloud para cumplir su destino y enfrentar a sus miedos.

En este sentido, el tema argumental de fácil destaque a lo largo de la trama es la redención, como Cloud (que es en cierto modo una sombra de Sephiroth) es capaz de dejar de lado su culpabilidad y resentimiento y salir hacia adelante, enfrentando a los desafíos que se le presentan, tanto por él mismo como por las personas a las que quiere. La animación nos ayuda a transmitir este mensaje a través de las expresiones de los personajes.

SQUARE ENIX ya tiene una destacada carrera como productora de animación en 3D, como muestra la anterior película de Final Fantasy ya comentada y el corto The last flight of the Osiris que forma parte de Animatrix. Por lo que no era para nada novedad encontrar una animación de calidad, que en este caso es muy superior a las dos anteriormente mencionadas. Los personajes están hechos con un nivel de detalle bastante realista, decantándose por un diseño de personajes bastante más cercano al tipo Oriental (Cloud, Denzel,Tifa y Yuffie) aunque los "Occidentales" de la trama también están bien presentados.

El manejo del ritmo argumental es, sencillamente, de Otro Lote. Al inicio es lento, pero como es usual en estas producciones, va In Crescendo, hasta las secuencias finales de Acción en las que se decide todo y que en su desarrollo, dejan como pálidas escenas a películas como Matrix o Crouching Tiger, Hidden Dragon por lo vertiginosas y bien detalladas a pesar de esto. Acompañadas además por la Música de Nobuo Uematsu, quien ya había participado en The Spirits Within, que le da un gran realce a las secuencias.

Los puntos bajos de esta producción son pocos, aunque los que no tienen familiaridad con el juego pueden perderse en la trama y algunos diálogos pueden sonar extremadamente recargados, es una producción que vale la pena ver y apreciar en su dimensión.

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Otros Recursos:

• Screen Shots de FFVII animación
• Final Fantasy Dimension
• Web Oficial de FFVII-Advent Children

Technorati Tags:Final Fantasy, FFVII, Anime, SquareEnix