CINE: El Imaginario del Doctor Parnassus (2009)

Para los conocedores, el nombre Terry Gilliam (Medicine Lake, 1940) es casi siempre garantía de buen cine y de elementos siempre presentes para bien del espectador que gusta de lo fantástico, así, vamos desde el apocalíptico futuro de 12 Monos hasta los Hermanos Grimm en el que vamos de la prestidigitación al cuento de hadas hecho, irónicamente, realidad de la peor forma posible.

Parnassus es también notable por ser la última película del ganador póstumo del Oscar Heath Ledger quien falleció al apenas haber completado aproximadamente la mitad de las tomas correspondientes a su papel: un amoral hombre de negocios al cual algo siempre parece salvarlo inesperadamente.

Más allá de esta especie de Leyenda Negra acerca del film, he de decir que es una pieza muy interesante de entretenimiento que bebe de varias tradiciones y vertientes, desde el teatro del absurdo a la comedia negra, con una variedad de personajes que desafían cualquier molde preestablecido.

Tenemos en primer lugar al Doctor Parnassus (Christopher Plummer) Un viejo sabio y por una broma del destino, inmortal. En el film se declaran sus orígenes, adentrándonos en una extraña secta que canta una canción -literalmente- "para sostener al universo" (¿habrá tenido en cuenta Gilliam a la Mecánica Cuántica y la teoría de cuerdas en ello?) y en el clásico episodio de caída de la gracia de la mano de un torcido, socarrón, apostador y siempre de bigote y sombrero diablo (el inacabable rockero Tom Waits) que es el punto de inicio de una larga historia de la que el espectador solo se entera indirectamente y que sirve de marco para el drama central del film.

Este drama involucra a la joven hija de Parnassus, Valentina (la modelo Lily Cole) quien lo asiste en un teatro ambulante junto con un joven prestidigitadot de nombre Anton (Andrew Garfield) y otro viejo compañero de la secta, Percy (Verne Troyer) teatro en el que ofrecen, a través de un espejo mágico, un camino a la iluminación para quien se atreva a transitarlo, intención que se suele ver frustrada por los astutos ardides del diablo que acaba tomando para sí las incautas almas que se pierden detrás del espejo. Este cuadro se termina de completar con el hallazgo, colgado de un puente, de un misterioso hombre llamado Tony (Ledger) quien además de estar colgado, lleva un extraño tubo en la garganta.

Así, van agregándose los elementos de la apuesta final con el diablo, en la que "Tony" tendrá una participación crucial.

Un tema interesante que la trama de la película plantea es la dualidad realidad/imaginación, léase, el mundo detrás del espejo (como en la novela de Lewis Carroll) donde es la imaginación de quien cruza, potenciada por las misteriosas habilidades de Parnassus crea las leyes de funcionamiento de este, rompiéndose cualquier concepción preestablecida, tema con el que Gilliam juega bien para compensar la ausencia de Ledger: así, en un viaje al imaginario donde la imaginación de una mujer de mediana edad prima, Tony cambia de apariencia volviéndose, literalmente, Johnny Depp. En otra circunstancia, las propias fantasías de poder de Tony lo llevan a asumir la forma de Jude Law y en un ingreso posterior, esta vez de la mano de Valentina, es la forma de Colin Farrell la que el personaje toma.

Sin duda una salida creativa, donde vemos que el imaginario tiene sus propias reglas y que, para cada participante en este, el imaginario resuena y proyecta una nueva realidad, de acuerdo a las pulsiones o deseos de quien en el entra, lo cual nos lleva a otra muy humana paradoja: la distancia entre conocer la verdad sobre uno mismo y aceptarla.Una contradicción que se muestra claramente en el Filme, donde, a cada sugerencia de Parnassus dentro del imaginario (incluyendo cosas tan disparatadas como un baile can-can protagonizado por policías usando portaligas y zapatos de taco) está siempre presente la del Diablo, ofreciendo la salida fácil que siempre acaba en condenación.

En resumen, una película que destaca por lo original de su trama, lo creativo de sus resoluciones y sobre todo, por el testimonio de solidaridad que reperesenta, cosa ciertamente rara en la "hoguera de vanidades" que suele sea la Industria del Cine.

Finalmente... ¡el trailer!

CINE: Invisible

Dirigida por: David S. Goyer

Escrita por: Mick Davis y Christina Roum

Año: 2007

País: coproduccíon EE.UU y Canadá

Título original: The Invisible

La película que vamos a reseñar es un inteligente cruce (o crossover, como les gusta decirle a los gringos) entre las novelas de fantasía modernas de autores como M. John Harrison y Haruki Murakami y el cuento de fantasmas victoriano, un género más popular de lo que creen (sino díganselo a los tropocientos volúmenes de terror que ha editado Valdemar a lo largo de su carrera). Ya sé que suena extraño ¿Cómo concilias las historias de fantasía modernas y sofisticadas con el ectoplasma y el espiritismo del s. XIX? Suena imposible, pero esta película es la muestra de que se puede.

Vamos por partes: Nick Powell (Justin Chatwin, si él mismo de la abominable "adaptación" de Dragonball en live action que vimos el año pasado) es un adolescente sensible y brillante, con talento para la literatura, que destaca en las clases de su colegio, pero que tiene un sueño: ir a Londres y ser escritor. Comparte sus cuitas diarias con su amigo Pete (Chris Marquette), a quien le cuenta sus confidencias y trata de ayudar de vez en cuando a superar su adicción a la nicotina. Con quien no se lleva bien en lo absoluto es con su madre, Diane (Marcia Gay Harden), quien ha planificado la vida de su hijo al detalle, y los sueños de libertad e independencia no entran dentro del plan maestro. En realidad, como se nos va explicando dentro del filme, todo comenzó a ir mal entre ellos desde que el padre de Nick murió y su madre comenzó a volverse un ser cada vez más obsesivo para tener cierto control de su vida.

Añadamos a la ecuación a Annie Newton (Margarita Levieva), una joven díscola y rebelde, líder de una pandilla de mal vivir que domina las actividades ilícitas en la mismas escuela de Nick. Annie pertenece a una familia que muy bien pudo ser la de Al Bundy u Homero Simpson, por su nivel de disfuncionalidad, solo que en vez de tener el tono de comedia que hace adorables a semejantes fracasados, está tiene más bien un tono de realismo y crudeza que comparten los millones de perdedores del Sueño Americano en esta actual recesión económica mundial que vivimos todos. A Annie le gusta vivir al límite, sentir que su vida es una grandiosa aventura, y para eso se asocia con un delincuente, Marcus (Alex O'Loughlin), alguien realmente peligroso que, aunque sabe mantener un perfil bajo puesto que más de una vez ha ido a la cárcel, no dudaría en deshacerse de un sujeto inestable en su grupo por las malas.

Cuando Annie es denunciada a las autoridades por un crimen y llevada a la comisaría, lo primero que cruzará por su mente será la venganza. Mala idea, puesto que eso la llevará por error a dirigir sus miras donde Nick, creyendo que él fue quien la delató ante las autoridades. Al final, entre toda su pandilla le dan una brutal golpiza, pero es Annie quien se propasa y le da el golpe (o más bien debería decir la rematada) de gracia, aparentemente matándolo. Como son criminales inexpertos, es lógico que entren en shock y se asusten de muerte ante lo que han hecho, por lo que esconden su cuerpo. Hasta ahí una película de crimen normal. Pero lo realmente extraño no ha hecho sino comenzar.

Extrañamente al día siguiente, Nick aparece de lo más normal en su facultad, solo que nota que la gente no le dirige la palabra y hablan de él como si estuviera ausente. Tras una serie de traumáticos "experimentos" (¡incluido el ser arrollado por un camión!), Nick piensa que está muerto y se ha vuelto en una especie de fantasma. Su nuevo estado de existencia es frustrante. Al contrario de los fantasmas de la clásica Ghost: la Sombra del Amor o la más reciente Actividad Paranormal, no puede interactuar en ninguna forma con el mundo de los vivos. Todo intento por conseguir una reacción solo se refleja en su lado como una posibilidad de lo que pudo pasar en el mundo "real" si aún estuviese ahí, que desaparece al instante, volviendo a la normalidad como si él no existiera.

Y es en esa ausencia, cuando sus seres queridos y amigos comenzarán a apreciarlo más (como su madre) o a sentir en vida las consecuencias de sus actos (como Pete) ¿Y Annie? Bueno, digamos que está metida en un montón de problemas. Nick por su parte, buscará traspasar la "barrera" que lo separa de nuestro mundo, después de hacer cierto descubrimiento fundamental que podría traerlo de vuelta al lado de los vivos. Lo más paradójico del asunto es que su último asidero a la realidad es Annie en una forma que no les explicaré para no arruinar la sorpresa, pero les aseguro que no tiene que ver con una solución fácil que involucre espiritismo y médiums.

Y es que esta es una historia de amor. Una muy poco convencional historia de amor. En la relación de ausencia entre Nick y Annie, y el poco convencional lazo que los ata y que los complementa, se forja un breve pero hermoso —y eso sí, muy humana— romance ¡Pero ay de los que estén buscando historias de amor paranormal malas como las que publica Nabla! No encontrarán nada por el estilo aquí. Más bien es una historia llena de acción (por parte de los vivos) y de angustia (por parte de Nick, al darse cuenta que su nueva existencia es solo temporal). A medida que la policía cierra el cerco sobre Annie y Marcus, una serie de encuentros, desencuentros, eventos trágicos y acciones desesperadas se irán desencadenando hasta llegar a un final que sin ser del todo feliz, cierra de forma convincente la película.

Volvamos a la condición que le da título a la película. La «invisibilidad» de Marcus es asfixiante: ninguna barrera puede retenerlo, no necesita comer o dormir; es una especie de ser tetradimensional capaz de trascender las limitaciones de nuestro espacio-tiempo (y si comienzo a hablar como trekkie es que he leído muchos libros de Michio Kaku), pero vive en la más absoluta soledad y aislamiento. Si se puede sacar una lección de esta película es que el ser humano no puede vivir solitario, que necesitamos de los demás sea en las buenas o en las malas para sentirnos completos. Otra enseñanza que se puede obtener, es que en la ausencia se reconoce al Otro por lo que vale, a medida que la madre de Nick admite que su hijo no es un ser que pueda controlar a su capricho, sino un ser independiente del que ya es tiempo que corte sus lazos con el hogar, que es tiempo que viva sus propias experiencias y quién sabe, hasta cometa sus propios errores, pero serán sus experiencias, sus exitos y sus fracasos, no los que alguien más pensó por él.

Como ven, la búsqueda de independencia es otro tema que destaca en la película, ya sea de una forma legítima como Nick, o por el camino de la ilegalidad como Annie, el director refleja las vicisitudes y dudas de los jóvenes modernos en este incierto mundo de hoy. Como lo que un día era una oportunidad, se vuelve al siguiente en un obstáculo o una duda. En eso, el filme muestra un argumento legítimo. Después de todo, tras la graduación de la universidad (si llegas a graduarte claro está): ¿qué hay? ¿Ser un asalariado cualquiera? ¿Dónde estaban los viajes, los sueños, las aspiraciones, los ideales? Nuestra modernidad mata a la gente con su indiferencia. Los hace invisibles al fin y al cabo.

Pero para terminar, una recomendación. Conste que este es un remake de la película sueca Den osynlige (2002) de Joel Bergvall y Simon Sandquist, basada en el libro del mismo título de Mats Wahl y Katarina Tucker (lo cual no es de extrañar, desde Déjame entrar, de John Ajvide Lindqvist, el fantástico sueco está entrando con fuerza en el mundo en general). Y por lo que he oído, el original es muy superior a la copia; así que si pueden hacerse con una copia de Den osnylige en película o libro, mejor, sería interesante comparar versiones, especialmente porque la original tiene un final más crudo y más cerrado a la esperanza. Un final más real donde la invisibilidad que todos sufrimos en vida ante la indiferencia de la modernidad, termina aplastando a los personajes.

Reencarnación

Dirigida por: Takeshi Shimizu

Escrita por: Takeshi Shimizu y Masaki Adachi

País: Japón

Año: 2005

Título original: Rinne

La película a la que me voy a referir es una producción del 2005, que entra dentro de lo que podríamos llamar terror japones. Partiendo del concepto budista de la reencarnación y de la idea del karma, esta pequeña joya de Takashi Shimizu (el mismo autor de Ju-On y Ju-On 2) es en el fondo una película que sobre como se hace una película de terror japonesa, sobre las fuertes creencias animistas de ese pueblo y de como algunas vez morir es solo el principio del terror, no el final. A la vez, abre la puerta a un ciclo grotesco, aparentemente sin fin, de búsqueda de la venganza y la justicia, por parte de un grupo de almas asesinadas ante el criminal que las mató. Pero es la sutileza con la que esa venganza se ejecuta lo que le da su sabor particular a este filme.

Aunque el comienzo puede parecer confuso y dar la imagen de ser una película más de fantasmas, debido a los ataques por parte de enigmáticas entidades incorpóreas hacia civiles inocentes, quienes solo tuvieron la mala suerte de cruzarse en su camino, el verdadero argumento comienza mucho después, en el Japón de la postmodernidad (sí, ese Japón incomprensible y derochador de Lost in Translation), cuando el director de cine Ikuo Matsumura (Kippei Shinna) decide hacer una especie de filme metatexual de horror sobre una masacre que un científico realmente loco obsesionado con la idea de la reencarnación, hizo en un humilde hotel en la campiña japonesa. Para el papel de Chisato (Mao Sasaki), la hija del profesor Norihasa, y una de las víctimas del científico, se elije a la joven actriz Nagisa Suguira (Yuka) e inmediatamente sentirá, contra su voluntad, una conexión espiritual con el fantasma de la niña, una conexión que tendrá terribles consecuencias para ella. A la vez, la filmación de la película estará llena de apariciones espectrales que solo Nagisa puede sentir, muy a su pesar y que la hacen seguir las pistas incorrectas para la resolución del misterio de porque las almas de los asesinados la persiguen; ¿quieren advertirle de algo?, ¿o su propósito es más siniestro?

La trama en sí se divide en tres hilos centrales: la filmación de la película —donde a mitad del rodaje, el representante de Nagisa encuentra una preocupante evidencia física de los crímenes acontecidos, que vincula presente y pasado—; las vivencias espirituales de Nagisa y la premisa de la que parte para intentar racionalizar lo que le está pasando: que fue una de las víctimas en su vida anterior; y la investigación que realizan Yuka (Marika Matsumoto) y Yayoi (Karina), dos universitarias, ligadas de un modo sutil al pasado que Matsumura filma. Solo es al final de la película que Shimizu enriza el rizo y une de una manera potente y explosiva —por no decir aterradora y creíble—

los tres hilos en uno solo, claro esta, quedando claro que, a medida que las verdaderas respuestas sobre cuales son los roles que cada persona cumple dentro del enigma, menos serán los que queden cuerdos o vivos para poder decir algo. Y es que los muertos saben como guardar sus secretos, y hacer justicia, cuando los vivos los molestan...

Y es que el concepto de reencarnación (la "rinne" del título en japones) es vital para entender el filme en su conjunto. El karma de los asesinatos no se ha purgado, espiritualmente hablando, y por eso las víctimas han pasado a ser yurei furiosos, quienes no se detendrán ante nada, ni nadie, para obtener justicia en este ciclo de la rueda de la vida donde su asesino se ha albergado en el más inesperado de los cuerpos.

Algo realmente destacable de esta producción, es el sentido de alienación y angustia que se puede sacar conforme se avanza en el desarrollo de la película, como se va desarrollando una situación sin salida, como las cosas alcanzan irónicamente un punto "muerto" (por decir lo menos) y solo pueden ir en picada hacia abajo. Porque los muertos se están reuniendo lo sepan los vivos o no, y más temprano que tarde obtendrán lo que es suyo, muera quien muera o peor aún. A veces no tienes que matar a alguien para enviarlo al infierno. Basta con decirle que estarás a su lado...para siempre.

¿No están convencidos? Digamos que la evidencia del asesinato múltiple —en este caso la tenebrosa muñeca de la hija del profesor Matsumura— puede convertirse en algo más aterrador que la mismísima Casa de Amytiville, dada la ambientación correcta. O que algo tan inocente como un juguete pueda invocar a un yurei deseoso de venganza. Por no hablar de la aterradora simetría que una cinta vieja de película puede tener con la venganza descrita unos párrafos arriba. O que una simple biblioteca universitaria sea un paso entre la vida y la muerte. Y no me digan que no hay algo de mórbido en filmar en la locación de un asesinato...basta mencionar el caso de la Casa Matusita.

En Japón las historias de fantasmas ocupan un genero literario per se: el kwaidan, y se nota la fuerte carga animista de esta cultura, pese a sus múltiples y alienados intentos de compenetrarse con lo occidental (como te vea la cara Kamen Rider Decade...), una fuerte ración de folklore, hábilmente "modernizado" queda en películas como esta, que mantiene esta tradición viva y con fuerza. Y como toda película de terror moderna japonesa nos deja con más preguntas que respuestas: ¿logrará Nagisa resolver el rompecabezas que une a los muertos y a los vivos a tiempo? ¿Este será el fin del ciclo de venganza o en la siguiente reencarnación volverá a empezar esto de nuevo? ¿Realmente alguna vez podrán descansar al fin las víctimas de Norihasa o todos están condenados a su peculiar rincón del Infierno?

A veces no hay un fin a la condenación.

P.D: Para los que gusten de los créditos al final encontrarán una grata sorpresa: ¡la música es de Kenji Kawai (Ghost in the Shell, Ghost in the Shell: Innocence, Vampire Princess Miyu, Starship Operators, The Sky Crawlers, y un sinfin de producciones de calidad más tanto de j-horror como de anime)!

CINE: Déjame entrar

Director: Thomas Alfredson
Guión: John Ajvide Lindqvist
País: Suecia
Año: 2008
Título original: Lat den rätte komma in

En estos tiempos en los que las películas de vampiros para adolescentes están de moda, pareciera que una película más sobre estos seres inmortales que se alimentan de sangre no tiene nada nuevo que decir. Pero Déjame entrar es una de esas películas que nos demuestran que nunca está todo dicho respecto a nada en el mundo, y menos, respecto a los vampiros.
Déjame entrar es una película sueca, basada en la novela del mismo nombre de John Ajvide Lindqvist, que de un lado nos hace preguntarnos por qué no hay más vampiros en Suecia, dado que se trata de un lugar donde la noche puede durar tanto... Lo que sería ideal para un vampiro o cualquier ser nocturno.
Como historia, casi podría presentarse como un cuento de hadas protagonizado por dos niños, que aparenta un final feliz, excepto que los dos niños - Oskar y Eli, de doce años, vecinos en un edificio de departamentos situado en Estocolmo - no son para nada niños normales. Oskar es el típico niño débil y temeroso que tiene que aprender a sobrellevar los maltratos de los sempiternos abusadores escolares. Carece de amigos, por tanto, y una de sus diversiones consiste en salir por las noches a su patio y fantasear con vengarse de sus acosadores, venganza que incluye proyectos de muerte. En una de esas noches, se encuentra con Eli, una niña de su edad, tan solitaria como él. No es para menos, pues Eli es una vampira, una niña-vampira que pese a su hambre y poder monstruoso, se nos presenta tanto o más frágil que el propio Oskar.
Inevitablemente, ambas soledades se atraen, pues para Oskar es el único punto de contacto con el lado amable y luminoso de la humanidad (vaya ironía), y para Eli, que tiene doce años "desde hace mucho tiempo", acaso también la única oportunidad de recuperar una humanidad que ha perdido (de muchas maneras, lo que le da más de un sesgo doblemente ambiguo a la película, a juzgar por lo que nos sugiere un breve pero devastador desnudo).
Pero Eli no se puede dejar de alimentar, y para ello cuenta con la ayuda de un cuidador, de quien no sabemos si se trata de su padre o de alguien que pudo ser otra cosa en su pasado. En todo caso, es de lo más revelador que dicho cuidador le pida, en una ocasión, que por esa noche al menos no salga a ver a Oskar. ¿Son celos de padre, de un amante... o quiere proteger al chico de un destino similar al suyo?
Las cosas llegan a un punto álgido cuando Eli se ve en la necesidad de alimentarse por sí misma, al mismo tiempo que Oskar se verá en la necesidad de enfrentarse a sus malvados compañeros de escuela, lo que producirá un punto de inflexión en la película: Oskar mostrará un lado sombrío y hasta cruel - como cuando le exige a Eli que entre a su casa sin invitarla, a sabiendas de que los vampiros sólo pueden ingresar a donde son invitados, de ahí el título Déjame entrar - , mientras que Eli comienza a percibir que acaso está completamente sola y desvalida, a pesar de sus poderes de vampiro. Empero, Oskar llega a recobrar su humanidad, para decidirse a compartirla con Eli, aunque el precio siempre sea la sangre de otros.
¿Final feliz? Parece que sí, aunque será el espectador quien debe arribar a su propia conclusión. En lo que a mi respecta, espero que Eli y Oskar sean felices, dondequiera que estén.

POSTDATA: No pierdan el tiempo esperando que la estrenen en ningún cine. Consígansela como puedan.

Aquí el Trailer:

CINE: Antichrist (2009)

Hablar del director danés Lars von Trier y de su extensa filmografía así como sus particulares preferencias estéticas y narrativas en el momento de crear un film da para largo y tendido, pero, centrando el tema, podemos comenzar con que el co-autor de la notoria declaración de Principios Dogma 95 y director de las conocidas Dancer in The Dark y Dogville, se haya decidido por hacer algo que precisamente cae fuera de esta línea de principios, un film "de género"

Y es que estamos, sin lugar a dudas, frente a una película de Horror, aunque, por ser von Trier, el tratamiento de la historia, los personajes y la ambientación es particularmente distinta.

Inicialmente, esta producción fue programada para realizarse el año 2005, siendo reescrito el Guión por Von Trier, quien, por causa de una depresión, tampoco pudo llevarla a cabo el año 2007. Logrando finalmente culminarla tras cuatro años de trabajo.

Al igual que otros filmes de Von Trier, la historia se encuentra claramente dividida en Actos, a la manera Teatral, con un Prólogo y un Epílogo, ambos caracterizados por ser en Blanco y Negro, carecer de diálogo y con un fuerte fondo musical, que circundan a los Cuatro Actos o Capítulos de la Historia en la que se desarrolla la trama.

Los personajes, dos esposos de los que no conocemos ni los nombres (Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg, quien tomó el rol después que Eva Green, interesada en este, fuese impedida de hacerlo por sus agentes) viajan, tras la pérdida de su menor hijo (narrada en el prólogo) a una cabaña en una región boscosa llamada Eden.

Aquí "él" (Dafoe) pretende sacar adelante a "ella" mediante la aplicación de una variedad de la terapia cognitiva llamada "terapia de exposición" enmarcada dentro de la Terapéutica Cognitiva, al hacerlo trata de hacerla reconocer y confrontar sus miedos, pero al intentarlo comienza a descubrir cosas que no esperaba.

Primero, las extrañas manifestaciones de la naturaleza en la zona, que se complementan con una frase de ella (ya había pasado un verano allí con su fallecido hijo, escribiendo una tesis inconclusa sobre el feminicidio) acerca de su misteriosa hostilidad.

Segundo, que pese al tratamiento, no parece encontrar respuestas, sino, por el contrario, continua embrollándose en la trama de los miedos y emociones de ella, cayendo en su juego y sin saber que es lo que en realidad le pasa.

Tercero, que a consecuencia de las anteriormente mencionadas, los hechos derivan en una espiral autodestructiva que llega a su cenit con la aparición de los "tres mendigos" elementos mencionados por ella, pero que recién toman significado cerca del final.

El final y el epílogo de la obra dan para más de una interpretación, aunque la más aceptable nos habla de la culpa, las emociones desbocadas y el auto-castigo frente a la supuesta "racionalidad" que al final, al tratar de arreglar las cosas, solamente las juzga y por tanto, lo empeora todo. Del personaje masculino dice Von Trier en una entrevista. "Es un idiota (...) Los hombres tendemos a ser estúpidos.. hacer teorías sobre las cosas y destruirlas."

Con ello, vemos que el verdadero personaje central de la trama es "ella" quien no representa nada, sino más bien expresa, vive, circulando entre las emociones y los abismos de su propia culpa y que al parecer, según la misma entrevista, es el reflejo de las emociones de Von Trier mientras escribía el guión, Trier dice: "Creo que siempre he sido los personajes femeninos de todas mis películas".

El Film fue estrenado en el Festival de Cannes, teniendo una recepción diversa entre el público, siendo abucheado por algunos asistentes,a lo que Von Trier repilció: "no hago películas para complacerlos, las hago para mí y las comparto con ustedes"

Antichrist Recibió el "anti-premio" del jurado ecuménico, afirmando que era "la película más misógina hecha por el auto-proclamado director más grande del mundo" ello por algunas demostraciones de extrema violencia (incluyendo una mutilación) y también escenas eróticas cuasi-explícitas (filmadas al parecer por dos actores de películas pornográficas como dobles) que incluso hicieron desmayar a algunos espectadores.

Al respecto de la recepción de la Película, y la opinión de Von Trier, en una entrevista concedida a The Guardian la actriz Charlotte Gainsbourg (quien fue premiada como mejor actriz en el festival de Cannes) manifestó lo siguiente:

"Realmente confié en él, y eso es también una cosa que considero injusta cuando la gente dice que odia a las mujeres. Porque realmente tenía la impresión que estaba actuando como él. Que el era la mujer. Que estaba pasando por toda la miseria de condición física y ataques de pánico y me relacioné a él completamente, y tuve la impresión que el se conectó a mí, que el entendía mis sentimientos.."

Todo esto nos habla de una obra compleja y comprometida, ante la cual es casi imposible tomar una posición indiferente, por lo que, pese a que Von Trier afirme que no es una película de horror, vaya que los papeles la ambientación y las conclusiones que podemos sacar de ver este film son estremecedoras. Sólo para los valientes de corazón.

Finalmente, aquí el trailer del film (¿llegará alguna vez a estrenarse en nuestras costas?)

Lars von Trier's Antichrist - Official Trailer from Zentropa on Vimeo.

 cine, terror, lars von trier, willem dafoe, charlotte gainsbourg, feminicidio
 cine, terror, lars von trier, willem dafoe, charlotte gainsbourg, feminicidio

CINE: Up (2009)

Up (conocida en estos lares como "Una aventura de Altura") es la décima producción de Pixar, productora fundada por George Lucas e impulsada por Steve Jobs y de la cual tenemos películas de muy grata recordación como Toy Story (1995), Buscando a Nemo (2003), Los Increíbles (2004) o más recientemente, WALL-E (2008) logrando reconocimiento Internacional tanto por la calidad técnica de su animación (provisto por su exclusiva aplicación de render) como por la habilidad de de las personas detrás de estas historias (en este caso el director de Monsters Inc. Pete Docter y Bob Peterson, colaborando ambos en el guión) en ofrecer un producto que, a la vez que satisface las expectativas comerciales y de entretenimiento espectacular para el espectador promedio, ofrece historias sólidas, personajes creíbles y con profundidad y tramas llenas de significado y emoción.

Y es especialmente en este último apartado que "Up" sobresale con creces, presentándonos la historia de Carl Fredericksen (Voz Original: Ed Asner) un tímido niño que, oculto en la oscuridad del cine, idolatra a un aventurero que bien podría ser parte de "El mundo perdido" de Jules Verne, llamado Charles Muntz (voz original: Christopher Plummer) y que luego, conoce inesperadamente a una extraña niña llamada Ellie (voz original: Ellie Docter, hija del director) con la cual establecerá una amistad fundada sobre la mutua admiración de ambos por Muntz.

Los cinco minutos siguientes de película son una de las secuencias más expresivas y conmovedoras que haya visto, sin palabras y con apenas sucesiones de cuadros estáticos, apoyados por la enorme composición de Michael Giacchino con lo cual, sin querer, y a pesar de todo lo que ocurre posteriormente, caemos en cuenta que este film no es sólo una comedia o una película de aventuras llena de diálogos divertidos y sentimientos edulcorados, sino un DRAMA en todo el sentido de la palabra, como expresión de las posibilidades humanas en su sentido más amplio, siendo digno de leyendas del cine como Chaplin o Capra.

Y precisamente por esto, la historia en sí comienza con el entusiasta niño Carl convertido en un vendedor de globos jubilado, de 78 años y sin ganas de seguir viviendo, rodeado por un terreno de construcción para un rascacielos, aferrándose a los recuerdos.

Es en esta circunstancia que se encuentra con Rusell (voz original: Jordan Nagai) un explorador en busca de su medalla por ayudar ancianos y de como, la extensión de esta circunstancia los reúne cuando Carl prepara la evasión última, viajar a las cataratas del Paraíso, cumpliendo el sueño de Ellie, propósito que se ve ligeramente desviado al incluirse Rusell de polizonte en su Delirante viaje.



Es a partir de este punto que la historia deriva por los canales más bien tradicionales de lo que una historia de aventuras debería ser, con muy buenos momentos viniendo del raro par de estos dos tan distantes en el tiempo seres humanos siendo aun más interesante el tipo de vínculo que van formando en el tiempo encontrándonos con una exótica ave ya mencionada y con el susodicho explorador, obsesionado por buscar a... ¿adivinen qué? no es difícil...


Y así transcurre procelosa y vibrante, abundante en situaciones graciosas y tensión, tachonada de personajes interesantes como perros que hablan, como Dug (voz original: Bob Paterson) Haciendo incluso un ligero homenaje al Fitzcarraldo de Herzog y a El mundo perdido de Conan Doyle (entre otras cuyos guiños se pueden extraer en la proyección) Redondeando una historia donde el tema principal pasa por la búsqueda de sentido a la vida y como nuestras propias nociones de lo que esto significa nos obstruyen de la comprensión de su precioso valor y de como esa renovada comprensión nos redime y orienta hacia derroteros igual de válidos. Estas y otras razones nos hacen comprender claramente el porqué Up ha sido la primera película de animación en abrir el prestigioso festival de Cannes.

Es de destacar (aunque es algo casi cotidiano en las películas de PIXAR) la calidad de la animación, las acciones de los personajes y sus expresiones, muy bien logradas y fluidas en todo momento, de modo que, pese a algunos gafes que le restan realidad (¿y quién la necesita? Esos detalles "fantásticos" son lo que me hace ponerla en la Casa de Jarjacha)

Como cierre de este comentario, debo decir que PIXAR ha vuelto a no decepcionar, completando una décima notable obra cuyas secuencias y fino sentido narrativo se iguala a otros hitos de la animación como el legendario Hayao Miyazaki, nunca estando tan cerca una película de animación norteamericana del nivel de profundidad y sensibilidad que las del japonés como esta, máxime si, estando como está en celdas de 3D, logra que los pixels parezcan personas creíbles y que comunican emoción y significado. Si es de los que espera entretenimiento fácil, gags repetidos y damiselas en aprietos, esta no es la película, pero si quiere mirar una muestra de arte, entretenimiento y humanidad en todo el sentido de la palabras, no dude en ir a verla. Simplemente imperdible.

Acá los trailers:

cine, animación, 3d, pixar, drama
cine, animación, 3d, pixar, drama
agregaX:cine, animación, 3d, pixar, drama

CINE: The Host

Es ya consabida -al menos desde el estreno de Ringu- de la capacidad de los cineastas de los países del Asia Oriental para proponer nuevas innovaciones, nuevos caminos creativos a explorar más allá de las convenciones del cine de terror (centrado ultimamente en el gores de diversos calibres) y de fantasía (esencialmente orientada a historias épicas para adolescentes) que se ve ultimamente en Hollywood.

The Host (o Monstruo depredador, como se le ha dado en llamar por estos pagos) es una demostración adicional de lo bien que se puede hacer una película de este género sin recurrir a tópicos manidos.

¿Cómo se come esto? muy sencillo.

Es usual en la tradición de cine oriental (especialmente la japonesa con Gojira, Gamora y un largo etcétera) las películas que se centran en la aparición de un monstruo en la ciudad, un breve preambulo sobre sus orígenes, en los efectos de su ataque y en el drama que transcurre entre los personajes para detener/calmar/elminar/ayudar a la criatura, siendo la bestia la protagónista total del film y los personajes de carne y hueso meros comparsas.

Esta película coreana representa un cambio sobre esta tradición, ya que, además de narrar la aparición del monstruo y los efectos de su feroz ataque contra la ciudad y la gente, se centra en el drama de una familia, los Park (apellido bastante común por esos lares) en una tan desesperada como sorpresiva búsqueda de la menor Hyun-seo, atrapada por el monstruo.

Este segundo tema tomado en cuenta en la historia, nos ofrece muchas seuencias y diálogos destacables, así como varios guiños de humor negro pese al tono totalmente serio y formal con el que los personajes dicen sus líneas.

Otro tercer tema o capa que podemos mencionar es el juego de mentiras y manipulaciones emprendido por los gobiernos tanto de Corea del Sur como de Estados Unidos, con el fin de poner en acción una nueva arma biológica, pretexto sustentado en que la bestia es portadora (de allí el nombre host: anfitirón, portador) de un virus letal.

La fotografía es muy bien lograda y no puedo descartar que algunas tomas hayan sido retocadas digitalmente, aunque de ser así, tal acción cumple su cometido, que es proveer de imágenes ricas en texturas y contenido y sobre todo, en un buen manejo de la luz en el enfoque, logrando, en las partes álgidas del film, una inmersión en la acción por parte del espectador.

Otro punto interesante a destacar es el manejo del ritmo narrativo por parte del director, en las secuencias se salpican vertiginosas escenas llenas de agitación con lentas sucesiones de cuadros que desembocan en un final abrupto, inesperado, que pueden sacar al espectador de su asiento.

El diseño del monstruo, pieza fundamental de la película, muestra una colaboración multinacional, que combina animaciones en 3D (CGI) con modelados sólidos filmados (animatronics) consiguiendo sin embargo, una fluidez bastante creible para los movimientos y acciones de la bestia.

Las actuaciones, particularmente las de los miembros de la familia Park: el acongojado patriarca Hee- bong (Byeon Hee-bong) el tonto y cariñoso Gang-du (Song Kang-ho) el "normal" Nam-il (Park Hae-il) y la "estrella" de la familia Nam-joo (Bae Doona) en un viaje que es a la vez huída y búsqueda, destacando especialmente por su capacidad expresiva la desafortunada Hyun-seo (Ko Ah-seong)

La música, compuesta por Lee Byeong-woo, combina tonos de instrumentos de viento con oscuras secuencias de cuerdas, dando, especialmente a las escenas finales un ambiente dramático muy bien logrado.

Em resumen, una excelente película, no solamente desde el punto de vista del entretenimiento, sino como mensaje político, social y medioambiental que no debe ser tomada a la ligera.

Algunos enlaces:

• Web oficial (en español)
• Web oficial (coreano)
• The Host: Creepie Korean Creatures

CINE: Un puente hacia Terabithia

Basada en la novela de Katherine Paterson del mismo título, Un puente hacia Terabithia (A bridge to Terabithia, 2007) es una película, que a pesar de lo ingenuo de las premisas de la trama y de un final inesperado, deja un muy buen sabor de boca.

Y es que, tanto el guión (a cargo de Jeff Stockwell y el hijo de la autora, David Paterson) y la dirección del húngaro Gabor Csupo, mantiene una sobriedad bastante interesante para una película de corte más bien infantil, presentándos personajes con profundidad y credibilidad.

El protagonista de la historia, un niño de la Working Class llamado Jesse Aarons (Josh Hutcherson) vive una vida aburrida en la comunidad rural de la que es parte, su padre, quien trabaja en un empleo de "cuello azul" su madre, sus hermanas y los problemas de cada uno parecen hacerlo sentir un incomprendido y molesto por ello, mantiene una actitud callada e introspectiva, siendo incluso objeto de burla de sus compañeros.

Todo parece cambiar cuando conoce, por avatares de la vida, a una nueva y excéntrica compañera de clase, Leslie Burke (AnnaSophia Robb) para quien, al ser hija de escritores, la vida y todo lo demás se presenta como una constante revelación de cosas extraordinarias, lo cual le da una imaginación y entusiasmo a toda prueba. De este modo, Jesse, que por azares de la vida vive en la casa contigua, es rápidamente reclutado para ser su compañero de aventuras.

Este es el inicio de un viaje en el más amplio sentido de la palabra, un viaje hacia adentro, en el que Leslie, a través de sus acciones y actitudes, comienza a hacer que en Jesse se gesten cambios que al principio, ni siquiera son notados por este, pero que manifestarán a la larga.

Primero, y principalmente,asistimos a la creación de un mundo fantástico, pergeñado en el bosque contiguo a sus casas,bautizado Terabithia por Leslie, y donde -como suele suceder en todas las fantasías- se incorporan todas las ansias, frustraciones y dudas cotidianas de ambos, el rechazo de otros e incluso los incidentes de su vida escolar (como los conflictos con una compañera) son expresados de manera elíptica en este terreno libre, donde las criaturas de los cuadernos de dibujo de Jesse se vuelven fauna y los enemigos aparecen de la nada,y siempre hay una aventura que seguir.

Y es entonces donde la historia podría detenerse en un viaje elíptico hacia la redención de Jesse o de como la amistad se convierte en amor o algún otro tópico manido de este tipo de historias, pero, precisamente es en este punto donde un punto de clivaje se impone.

Y es que, venciendo a su miedo, Jesse ha entablado contacto con su profesora de Música,la Srta. Edmunds (Zooey Deschanel) por quien se siente atraído, y por quien, en una ocasión, dejará sola a Leslie, decisión que traerá consecuencias.

De este modo,y con los momentos finales del film, se completa el significado de la más amplia lección de vida que Leslie deja para Jesse, que es la aprender a dejar atrás los resentimientos y los temores para poder vivir. Lo cual, en cierto modo, se refleja en aquella última intención, la de construir un puente hacia aquel lugar féliz, por el cual lleva a su hermana Maybelle(Bailee Madison)

En general, el nivel de actuaciones es bastante correcto, incluyendo entre otros, al Robert Patrick en el papel del padre de Jesse, en una actuación que recuerda en mucho a la que tuvo en la película Walk the line, como el padre de Johnny Cash. Lo cual se acompaña de un muy adecuado trabajo de fotografía en el que se mezclan escenarios naturales con creaciones fantásticas en 3D y que dan un ambiente de fantasía sin lograr despegarnos del todo de la premisa del "sólo estoy imaginando esto" Lo cual, entre otras cosas,la hace una muy buena candidata para ver y discutir en familia.

CINE - La Brújula Dorada

Una pregunta de rigor antes de ver esta película era si los estándares del entretenimiento Hollywoodense le quitarían o no el encanto a esta nada igenua saga literaria (comentario sobre los libros aquí) en nombre del mantener un estándar de PG-13 (considerando además las referencias a Blake y a Milton que pese a todo han sacado ya ronchas a la Iglesia Católica) y la convertirían en un tan espectacular como soso despliegue de pirotecnia visual sin los elementos de fondo que son, para el lector, la carne de la historia.

Lo cierto es que el Director Chris Weitz (American Pie, etc) se las ingenia para mantener en pie algo de la historia, y rescatar en algo la dignidad de los personajes y es que el cambio de la novela de Pullman al Guión, escrito por el Mismo Weitz, contiene algunos cambios respecto al original que le agregan ritmo narrativo (y, más destacablemente, lo sostienen), pero le quitan consistencia.

El primero de estos es el alucinante Spoiler que te hacen al principio de la película ¡nada de pensar! ¡nada de hacer algo de trabajo mental para que te des cuenta que no estás en esta Tierra! ¡no! Y menos aun si se trata de no dejar que te des cuenta que existe algo llamado el Magisterium que, como todas las corporaciones, tiene particulares intereses y deseos que defender, y con ello, la amenaza constante a sus intereses debe ser... eliminada preventivamente.

Y cuando creíamos que la película iba por otro lado aparece Dakota Blue Richards quien, pese a algunos disfuerzos, cumple en su papel de Lyra "Lengua de Plata" Belacqua, sobre todo en las características más saltantes: la vocación por el juego y la aventura constante y su inquebrantable lealtad.

Por otro lado, su "tio" el inefable Lord Asriel es interpretado por el 007 Daniel Craig quien apenas es notado en sus intervenciones en pantalla, desapareciendo demasiado rápido, similar inri se puede hacer sobre la actuación de Nicole Kidman, ya que tal parece que la tónica es no lucir, pero no desentonar.

Más notables son los esfuerzos de Jim Carter y Tom Courtenay como los líderes Egipcianos John Faa y Farder Coram, bien puestos dentro de lo que cabe, cosa que no se puede decir de la guapa Eva Green, cuya participación como la interesantísma (en la novela) bruja Serafina Pekkala se reduce a dos o tres parlamentos dichos con la voz engolada y varias tomas de "pantalla verde" matando malosos con su arco.

La sorpresa radica, en este caso, no en los personajes reales, sino en los virtuales, en especial el Tremendo (literalmente) Iorek Byrnison, notabílisimo y como no si su voz es la de nada menos que el Gran Ian Mc Kellen (para quien recuerde ese Thou Shalt not Pass!) que por extraño que suene, le da relieve y fuerza a la forma virtual del oso acorazado.

Del mismo modo, las actuaciones de voz de los daimoniones, Kristin Scott-Thomas como Stelmaria, daimonion de Asriel y nada menos que Kathy Bates, como Hester, el daimonión de Lee Scoresby (Sam Elliot)

Poco queda por comentar, con excepción de un a partitura bastante adecuda de Alexander Desplat así como la cinematografía, de parte de Harry Braham, de tonalidades claras y luminosas, independientemente de la locación, lo cual hace díficil diferenciar las tomas en locación de lo digitalmente arreglado o sobrepuesto. Elementos que hacen de esta producción una muy buena pieza de entretenimiento, aunque sin el brillo y la lúcidez de su contraparte literaria.

CINE: Sweeney Todd, El barbero demoniaco de la calle Fleet

¿Qué hace el Remake cinematográfico de un musical de Broadway en la casa de jarjacha? pues esa es una pregunta que tiene una respuesta muy simple y que se relaciona con la segunda palabra en el encabezado de nuestro blog ¿y que decía eso? Fantasía, Terror y misterio, y si, se trata de terror.

Y es que antes de un Fábula moralista y pletórica de realismo dostoyevskiano sobre el crimen, el castigo y la venganza (muy a lo siglo XIX) el musical del Arthur Sondheim explora los tormentos y horrores cotidianos y la forma en la que cada uno de nosotros, grande o pequeño, poderoso o insignificante los enfrenta y sobrevive o no a ello, o al menos esta es la interpretación que puedo hacer del enfoque del director, el célebre Tim Burton, al respecto.

El primer personaje en el que se hace patente esta particular inclinación es el desafortunado protagonista Benjamin Barker (Johnny Depp) quien, apartado de su esposa y de su pequeña hija por una calumnia y encarcelado sin razón por quince años, regresa a la Londres de sus dulces días para cobrar venganza.

Es notorio el contraste entre las escenas de Flashback y las de este presente descorazonador y estremecedoramente oscuro y sórdido de los arrabales de la Gris y empobrecida Londres del siglo XIX, el Barker (o Todd) de la Historia no es más que una pálida sombra, un perdedor cuya única tabla de cercanía con la sania no es otra que el vago recuerdo de una hija perdida y sobre todo, el ansia de venganza contra el "Honorable" Juez Turpin (Alan Rickman) responsable directo de los enredos que arruinaron su vida.

En el inicio de su peripecia, se encuentra con otra alma perdida como él, la pastelera Señora Lovett (la siempre eficiente y musa de Burton Helena Bonham-Carter) y los anodinos detalles de su vida y los pasteles de carne que hace (o no puede hacer y que rellena con una serie de "jugosos" aditamentos) y este encuentro es tan providencial como anunciado, ya que la Sra. Lovett se vuelve colaboradora, artifice y complice de las tropelías del infame Todd, y también lo acompaña en su descenso hacia la locura y la sed de sangre. Es en esta poderosa dupla actoral que se sustenta el peso de toda la historia.

Y así como abunda el odio en esta historia, también debe encontrarse una pizca de amor, y allí es donde la desdichada hija de Barker, Johanna (Jayne Wisener) encaja, y no es otro que el romántico compañero de Todd, Anthony Hope (Jamie Campbell Bower), cuyo nombre de hecho no es casual, dado que Hope significa esperanza. Y ahora entre estos dos se celebrará, inevitablemente una version acaso más féliz o más desdichada de Romeo y Julieta.

Y es en la tensión entre estos dos amores (el de Lovett por Todd y el de Hope por Johanna)una obsesion (la de turpin por Johanna) y el Enorme Odio de Todd, que la cinta fluye como una serie de imagenes impresionantes, destaca sobre todo el manejo del color, pletórico de tonos fríos y lobrégos tan conocidos de Burton y sobre todo, la palidez cadavérica de los dos protagónistas, tal vez una alusión a la muerte en vida de la que habla Camus en El mito de Sísifo en el que la vida no es mas que una muerte cierta en la que nos hundimos, y es que, sin nada a lo que aferrarse, bien puede decirse que no se vive.

Extraordinariamente llevadas son las escenas de sangre y el descenso de Todd hacia la locura homicida, narrada con alusiones pero sin explicitar en el Gore -y es que es un musical, ya que estamos- y la fluidez de las escenas en la que convergen lo gris-real contra lo soñado-luminoso, para terminar en un climax final impresionante y que, si se quiere ver como fábula moral, podría leerse como La venganza no es un plato que deba calentarse o El crimen paga, pero cobra doble.

Muy recomendable, sobre todo si se está de un humor casi tan gris como el de aquella Londres.

CINE - Cosas de Magos

Desde el viejo antepasado nuestro que, sentado al fuego de su cueva, impresionaba a sus semejantes con un torpe movimiento de manos que era suficiente, aduciendo una "explicación mística" lo "mágico" o "esotérico" ha tenido un lugar de especial importancia en nuestro quehacer, y ni la literatura ni el cine han obviado tan tamaña parte de nuestro imaginario.

Hoy me ocupa reseñar dos películas que, aunque distintas, tienen en común el toque de asombro y la construcción en claroscuros que la magia -en especial la de salón- requieren, junto con personajes de lo más particulares.

La Primera de ellas, El gran Truco (The prestige, 2006) es dirigida por Christopher Nolan (Insomnia, Memento , Batman Returns) y está además basada en la novela de Christopher Priest, The prestige (El Prestigio, en español) que relata la rivalidad entre dos magos. El espectacular -aunque no demasiado ingenioso- Robert Angier (Hugh Jackman) y el misterioso y brillante,pero poco lucido Alfred Borden(Christian Bale) quienes, de ser compañeros en un espectáculo de magia, desarrollan una rivalidad que poco a poco, irá llegando a más de un extremo.

Ambientada en la Inglaterra y la norteamérica de finales del siglo XIX y principios del XX (en todo caso, antes de la gran depresión) la película transita con todo detalle, en retrospectiva, ya que los hechos se inician con la muerte de Angier, un "crimén" por el que Borden será condenado, sin pausa somos introducidos a una evolución en parálelo de su rivalidad (como si la simetría fuese en realidad un elemento más que significativo de la trama, cosa que efectivamente, sucede.) a través de la lectura mutua de los diarios de ambos, los sucesos comentados por otros observadores: en especial el ingeniero Cutter, un magistral Michael Caine quien parece ser el único suficientemene sensato (o desapasionadamente inglés) en una situación donde el antagonismo raya en la obsesión.

Otros tres personajes merecen también atención: primero, la esposa de Borden, Julia Mc Cullough (Piper Pearbo) quien se debate entre la seguridad de un hombre que ama y el terror que le produce no conocerlo.

En segundo lugar, Olivia Wenscombe (la espectacular Scarlett Johansson) quien,ilusamente, trata de apartar a Angier de su obsesión -y acaba atrapada en la telaraña de Borden en el proceso.- Y finalmente, al gran David Bowie en el papel del tan brillante como misterioso Nikola Tesla que si bien para el Neófito puede pasar como alguien "esóterico" (revelando claves secretas y verdades aparentemente ocultas a Angier, no sólo acerca de su invento, sino de los peligros de dejarse llevar por una obsesión) y sin embargo, más que hablarnos de cuestiones estrictamente esotéricas, Tesla y sus preocupaciones aparecen claramente como la expresión de la preocupación central de la ciencia, la búsqueda de un propósito real para el conocimiento (cual es labor de la técnica, la tecnología y en último caso, de la ingeniería, podemos agregar la famosa frase del gran Arthur C. Clarke, quien afirma que La ciencia, llegado a un determinado grado de avance, no nos parecerá en nada distinta a la magia) y de como este conocimiento, al servicio de un determinado fin, puede causar más mal que bien (cosa que Angier comprobará de la manera díficil)

La historia es narrada a cuentagotas, fiel al estilo del autor, agregándose a las simetrías antes mencionadas, la mención implicita o explícita a detalles aparenemente intrascendentes, pero que van encajando de a pocos, así como el ocultamento deliberado de ciertos hechos que, posteriormente revelados al espectador, terminan aclarando el panorama, complementado además por la banda sonora, a cargo de David Julyan y una excelente fotografía a cargo de Wally Pfister.

Basada en el cuento de Steven Millhauser y ambientada en una Viena contemporánea a la del film anteriormente mencionado, Eisenheim el Ilusionista (The Illusionist, 2006) es, antes que una historia sobre magia, magos o trucos, un melodrama.

Si bien está narrado con las características de una película de misterio (sobre todo si pensamos en la palabra "detectivesca" junto a esta) son las características del melodrama las que priman, cosa que se hace notoria desde el principio del film, la escena de un tan idilico como bucólico encuentro entre dos jovenes Eisenheim y Sophie, encuentro que, años después, se vuelve a producir.

Y es entonces que Eisenheim (Edward Norton) debe recurrir a todo su arsenal de trucos para retener a su amada Sophie (Jessica Biel) y rescatarla de un tan inconveniente como inféliz compromiso con el Principe de la Corona Leopold (Rufus Sewell) que contará como aliado al jefe de policia, Inspector Uhl (un siempre cumplidor Paul Giamati)

Este film, dirigido por Neil Burger logra captar la atención del espectador, en una historia con un ritmo bien administrado y una fotografía (a cargo de Dick Pope) en la que destacan los tonos cálidos, ya sean de los salones de la realeza en Viena o de la frondosidad de un bosque en una tarde o de las mortecinas luces del teatro donde Eisenheim actúa, constibuyendo así a una estética elegante a la vez que sobría en la que los tiempos se distienden (lentos para un personaje, rápidos para otro) y una interesante dinámica se genera, a partir de la elucubración final del detective Uhl, en la que, finalmente, todo parece cobrar sentido y coherencia, siendo esta explicada de una forma clara y extremadamente lógica, descartándose aquí cualquier aspecto o explicación estrictamente esotérica o mágica queda de lado.

Finalmente, se pueden establecer algunos parálelos entre ambas películas,ya que ambas apelan a la magia no como un fin sino como un medio para lograr algo (el reconocimiento -la venganza- para Angier o Borden o el amor para Eisenheim) con lo cual la "magia" queda establecida claramente como una forma de arte y precisamente como ello es que pervive,aun en nuestros tan tecnológicos días.

Technorati tags: Christopher Priest, El prestigio, the prestige, magos, magia, fantasía, ilusionismo, Christopher nolan

CINE: Chullachaqui

Este 15 de marzo en el Centro Cultural de España

Gran estreno de "CHULLACHAQUI" en Lima


Este jueves 15 de marzo a las 8:00 de la noche, con el auspicio del Centro Cultural de España, se realizará el estreno del corto cinematográfico "Chullachaqui" en la ciudad de Lima, producido, dirigido y distribuido por jóvenes loretanos, en lo que se considera el primer gran esfuerzo por crear una industria cinematográfica de ficción en la amazonía peruana.

Esta historia, que adapta la vieja historia del ser mitológico capaz de mimetizarse en cuanto elemento o persona desee y le dota de una concepción moderna del siglo XXI, fue producida por Audiovisual Films, novel compañía con gran presencia artística en el mercado amazónico, y fue dirigida por el cineasta loretano Dorian Fernández-Moris.

Para el estreno del jueves 15 en el Centro Cultural de España (al cual se sumarán dos funciones adicionales el sábado 17 y el domingo 18), esta previta una ceremonia especial con gran sabor amazónico, así como la presencia del director y parte del equipo de producción de "Chullachaqui", e importantes figuras de la política, la cultura y el espectáculo nacional.

Centro Cultural de España, Calle Natalio Sánchez 181, Santa Beatriz Alt. cuadra 6 Av. Arequipa - Telef. : 330 0412

INGRESO LIBRE

(Texto enviado por Alvaro Mejía)

Artículos relativos en:

Cinencuentro

Pro y contra

Tecnorati tags: chullachaqui, cine, terror

CINE: El tunche

INTI FILMS y MAX PLANCK Video-Imágenes de Huancayo se complacen en presentar el estreno en Lima de su más reciente producción de largometraje EL TUNCHE, misterios de la selva.

La segunda película del director huancaíno Nilo Inga, registrada en escenarios naturales del distrito de Pichanaki (Chanchamayo – Junín), nos ofrece una historia cargada de terror, drama y suspenso en la que participan los actores Reynaldo Arenas, Carolina infante y Gustavo Cerrón en los roles protagónicos, conformando también el elenco Ronald Malca, Charles Reátegui, Nausica Navarro y un selecto grupo de actores de Huancayo y la Selva Central. De otro lado, la representación del Tunche ha sido lograda mediante animación digital empleada por primera en esta región del país.

EL TUNCHE, misterios de la selva muestra la historia de un grupo de estudiantes de medicina que en un viaje de investigación a la selva peruana conocen la leyenda de "El Tunche". Los incrédulos jóvenes harán caso omiso a las recomendaciones de los lugareños y se internarán en el monte, donde les espera el ataque del sanguinario ser mítico.

La película (estrenada el 15 de febrero de 2007 en Lima) se pasará a partir de marzo en otras salas como El Cinematógrafo. La primera fecha allá será el 5 de marzo y contará también con la presencia de Nilo Inga. (también se exhibirá su primer largo, "Sangre y Tradición"). De allí circulará por otras salas como el Cine Arte de San Marcos, y se espera que para junio se vuelva a proyectar gratuitamente, esta vez en el C.C. España.

Technorati tags: El tunche, cine, terror

CINE - Mensajero de la Oscuridad (2002)

Basada en la novela del ufólogo e investigador paranormal John A. Keel (1930-) The Mothman Prophecies, esta película, dirigida por Mark Pellington es una expedición al terreno de lo sobrenatural, aunque con una aparentemente sorprendente cuota de "realismo" ya que los sucesos que se narran (la caída inexplicable del puente Silver en Point Pleasant, Virginia) están enmarcados dentro de una ambientación realista, contando además con el renombre de "estar basada en eventos reales"

La película, a diferencia del libro, deja de lado la mayor parte de las teorías acerca de la intervención sobrenatural o extraterreste (en el caso de los OVNIs) para enfocarse en una historia de suspenso pura y dura, en la cual el personaje principal será el reportero Jonh Klein, encarnado por el varias veces nominado al Oscar Richard Gere, cuyo nombre se obtiene a partir de un juego de palabras sobre el nombre del autor.

Tras enviudar inesperada y misteriosamente, Klein se pone sobre la pista de un misterio que intuye más no alcanza a entender y que lo lleva, inexplicablemente a Point Pleasant, cuando, partiendo desde Washington, su ciudad, no podría haber llegado más que a una velocidad realmente espeluznante.

Es aquí que traba contacto con los habitantes de la ciudad, Gordon Smallwood (Will Patton) y su esposa Denise (Lucinda Jenney) y en especial la policía del pueblo Connie Mills (La También nominada al Oscar Laura Linney), y, por intermedio de esta, de toda la trama de misterios que ocurren en esta ciudad que tienen que ver con la aparición de un extraño ser que parece guardar relación con la pérdida de Klein.

El Director trata de vender coherentemente una explicación a lo sobrenatural desde el punto de vista de la existencia incuestionable de otros "seres superiores" (independientemente de su filiación o naturaleza) tal como se da a entender en la escena en que Klein visita al Dr. Leek (Otro anagrama para Keel, creado por necesidades cinematográficas para dar un contrapeso del dubitativo Klein e interpretado por Alan Bates) objetivo que logra con creces, ya que, como es usual para las películas de este corte, las pistas que conducen a la "solución" del misterio nunca están del todo claras (las apariciones del "ser" e incluso sus "declaraciones", los mensajes inexplicables enviados por la esposa de Klein, el sueño de Connie) y no terminan de encajar sino hasta el final, cuando la tragedia es ya inevitable.

Si a lo anteriormente mencionado se suma el hecho de estar aparentemente basado en "hechos reales" pues configura una mezcla aparentemente tan contundente como espeluznante a la que colaboran principalmente las actuaciones de Gere y Linney, quienes se contrapesan muy bien y un manejo adecuado del ritmo narrativo así como de la música, que sin caer en el barroquismo orquestral de otras producciones, cumple con ambientar y crear una atmósfera proclive.

En conclusión, una película sobre lo sobrenatural que funciona además como entretenimiento, muy recomendable.

Technorati tags: Mensajero de la oscuridad, Mothman, terror

CINE: El Gran Pez (2003)

dirigida por Tim Burton (Batman, La leyenda del jinete sin cabeza, El planeta de los simios, Charlie y la fábrica de Chocolates y un largo etcétra) dirige esta impactante película que cuenta con el guión de John August, basado en la novela Fantástica de Daniel Wallace, El gran Pez es un film que nos lleva por un paseo de proporciones míticas, una fantasía adulta en la que lo cotidiano (o, mejor dicho, lo que hacemos para salirnos de lo cotidiano, aunque sea solamente en el caos de nuestras mentes) resulta ser el verdadero motivador de las historias que realmente importan, en este caso ambientadas en una bucólica ruralidad americana de unos extremadamente tranquilos 40's y 50's.

El eje de la historia (y de la película, en general) es la vida -y obra, real o ficticia- de Edward Bloom (Ewan McGregor y Albert Finney, respectivamente) del cual, en su hora última, se sabe mucho o se ha oído decir una enorme cantidad de cosas, pero -y allí el quid del asunto- se desconoce en "realidad" cuales son hechos y cuales son simples exageraciones o excesivas invenciones evasivas (¿cuántas veces nos hemos sentido compelidos a contar un buen cuento en lugar de recordar una gris cotidianidad?)

Y es a través de su propia voz que somos llevados como de la mano por su odisea por lo fantástico, desde la incredulidad de su hijo, quien sin admitirlo del todo se considera la silenciosa víctima de las invenciones de su padre, a lo cual se suma la sensación de urgencia de pérdida, lo que lo lleva a buscar momentos "de verdad" que reafirmen una relación que siente más bien de ficción.

Y de inmediato, apenas presentado, este discurso es sacado de plano por el flujo asaz más vital, asaz más necesario, del devenir ficticio-real (imposible distinguirlos a partir de este momento) de la vida de Edward Bloom, que, como es clásico en el estilo del director abunda en composiciones de colores y formas, así como en animatronics, que le ayudan a darle un toque de irrealidad a la ambientación, en especial cuando se compara el sombrío bosque con la colorida y quieta atmósfera de Spectre, y es que se trata de demostrar los constantes contrastes a los que vitalmente nos enfrentamos y por las que transcurrimos sin detenernos acaso.

Es también importante en esta película el manejo preciso del ritmo argumental, los tiempos precisos, cosa que se nota especialmente en las escenas del circo y de la Universidad en que Edward Bloom va en busca del amor, y aquí tal como se da la oposición entre el viejo (Finney) y el joven (Mc Gregor) se encuentra la contraparte en su pareja Sandra (Alison Lohmann - Jessica Lange) quien, pese a no tener demasiado tiempo de cámara, insinua más de un vital significado en el andamiaje de ficciones de su esposo. Mediante detalles sutiles.

Mención aparte merece la irrupción (verídica o no) de lo sobrenatural dentro de lo cotidiano: personajes como el gigante Karl (Matthew Mc Grory) el licántropo dueño del circo (Danny De Vito) o las hermanas Ping y Ting (Ada y Arlene Tai) y especialmente Jenny (Helena Bonham-Carter) quien en su doble papel, le da a Will Bloom la pista definitiva acerca de la verdadera naturaleza de su padre.

Y, finalmente y sobre todo, si hemos de destacar una característica saltante en este film, esta sería la sensibilidad con la que es filmado y narrado. Esta película conecta muy bien con el espectador, ya sea desde el ángulo fantástico, el drama familiar o la simple exageración, es imposible permanecer indiferente frente a lo presentado, a lo cual las aportaciones de Danny Elfman (banda sonora) y Philippe Rousselot(Fotografía)son de una gran importancia para resaltar la ambientación, por lo general mediante planos abiertos y llenos de luz, que contrastan con los espacios cerrados y penumbrosos de los últimos días de Ed Bloom.

En resumen, una película plétorica de significados, de una bien lograda factura y que profundiza sobremanera en la relación emoción-razón, desde la ficción y hacia nosotros mismos como eje para entender la vida propia. Notable.

Technorati tags: Gran Pez, cine, fantasía, Tim Burton

CINE: Volviendo a casa (Homecoming) de Joe Dante

Volviendo a casa (Homecoming)
Dirección: Joe Dante
USA, 2005

Hace tiempo que no se exhibía una serie de terror tan electrizante como "Maestros del Horror" (bueno, como sólamente la pasan por cable en el canal FX, supongo que tendré que referirme a ella como Masters of Horror). Darío Argento, Joe Dante, Tobe Hooper y otros grandes directores de filmes de terror dirigen los episodios semanales. Para quienes no los hayan visto, hay disponibles versiones en DVD, que con seguridad llegaran pronto a nuestros centros formales de venta.

Los episodios duran aproximadamente cincuenta minutos. El horario nocturno permite además licencias poco usuales en series de televisión (la criatura que protagoniza la espantosa Jennifer de Darío Argento es de lo más espantoso y repulsivo que pueda imaginarse, y es difícil soportar las escenas de tortura oriental de Imprint, de Takashi Miike). El gore y el sexo no son precisamente escasos en varias de estas producciones.

En cambio, la historia de Homecoming tiende más a la crítica de la situación política que se vive actualmente en los EE.UU. La historia inicia con un astuto publicista encargado de la campaña reeleccionista del actual presidente republicano de los Estados Unidos. Nunca se nos dice el nombre del presidente, pero las placas del automóvil del publicista tienen las letras "BSH". Coloquen ustedes la vocal... Bueno, este publicista aparece en un programa de televisión indicando a la gente por qué deberían reelegir al presidente en ejercicio. Como parte del programa, enlazan a una mujer que ha perdido un hijo en la reciente guerra de prevención (ya ustedes saben cual es). Ante las lágrimas de la dama, el publicista expresa el siguiente deseo: ojalá que todos aquellos que han muerto por el país pudieran regresar a casa (de ahí el homecoming del título).

Misteriosamente, el deseo del publicista (hecho en falso, por cierto), empieza a cumplirse. Los cadáveres repatriados de unos doscientos soldados resucitan y comienzan a deambular por diversas ciudades. Las reacciones iniciales son de pánico (es alucinante la escena de la primera resurrección, con el cadáver envuelto en la bandera norteamericana), para luego pasar al humor y sarcasmo más delirante: los zombies han vuelto para votar contra el presidente que los envío a morir lejos de su patria, en una guerra iniciada a base de mentiras.

Por supuesto, los zombies despiertan las simpatías de la gran mayoría de votantes norteamericanos. Los únicos que sienten terror por su presencia son los asesores de campaña del presidente, quienes descubren que no pueden impedir a los zombies votar ni dar discursos antibelicistas en la televisión. Además, son zombies de los más pacíficos, que solamente atacan cuando se intenta manipularlos y vulnerar sus derechos democráticos.

Algunos diálogos son de antología. El secretario del presidente se pregunta cómo es que, siendo las fuerzas armadas el eterno voto seguro del partido republicano, devuelva ahora un grupo de muertos dispuestos a votar en contra. No son muchos, pero arrastran simpatías. ¿Cómo eliminarlos? Con un eufemismo legal: los declaran desertores o traidores, y los encierran.

Pero como todos sabemos, no es fácil acabar con un zombie, y donde hay uno, hay otro. Quizá los zombies de Joe Dante sean lo último que queda del sueño americano plasmado en su constitución.

Technorati tags: Joe Dante, cine, Zombies, política, terror